La toile de David Hockney : Large interior, Los Angeles

Bonjour ! Quel plaisir immense de vous retrouver pour la suite du Calendrier de l’Artvent. Là vous vous demandez « mais la nana nous parle tous les jours depuis deux semaines, pourquoi d’un coup elle nous parle de plaisir immense ? ». Pour tout vous avouer, j’écris cet article le 14 décembre 2019 (donc la veille de sa publication). Comment ? Trahison ? Infamie ?! Mais nous crussions que la demoiselle eût préparé à l’avance TOUS les articles du Calendrier et il n’en est point ?

Déjà, j’adore la manière dont vous vous exprimer. Par contre, calmez-vous. En vérité, j’ai programmé 21/23 articles (ce qui, vous me l’accorderez, reste assez balèze). Il me reste donc deux articles à écrire (dont celui-ci) et c’est comme ça, c’est la vie, parfois on a beau se fixer un objectif et un emploi du temps, tout ne se passe pas comme prévu. Mais nous y reviendrons plus tard, probablement dans le Bilan du Calendrier de l’Artvent qui (d’après vos votes d’ailleurs merci infiniment) sera sous la forme d’un épisode de podcast.

Avant d’aborder le sujet du jour, je tenais juste à profiter de la brèche qu’est cet article de dernière minute dans le Calendrier pour vous remercier du fond du cœur. Vos messages, vos soutiens, tout l’amour et la reconnaissance du travail fourni pour réaliser ce projet m’ont fait un bien fou. Cela me touche beaucoup.

ALLEZ, maintenant on passe aux choses sérieuses donc restez attentifs je vais pas me répéter deux fois.

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Aujourd’hui on parle de David Hockney et de sa Toile Large Interior, Los Angeles. J’adore David, j’adore ce tableau, ne perdons pas une minute de plus.

L’Oeuvre : Large Interior, Los Angeles – David Hockney

Large Interior Los Angeles est un mélange d’huile de papier et d’encre sur toile réalisé en 1988 par David Hockney. Ses dimensions sont de 183,5 x 305,5cm et elle est exposée au MoMa (NY).

Cette toile est peinte pendant les 80’s, quand le dada d’Hockney c’est les perspectives, l’espace et les collages. Ce qui frappe tout de suite dans l’analyse du tableau, c’est l’évocation qu’il fait naître en nous d’une scène de théâtre. En effet, Hockney va réaliser des décors d’opéra durant sa carrière (en 1986, pour le Los Angeles Music Center Opera, il conçoit les décors de Tristan et Isolde de Wagner) et tenter d’en reproduire la logique scénique au sein de sa toile. Si l’on ressent qu’il s’inspire de la complexité des maîtres cubistes comme Braque ou Picasso pour tracer des formes très schématiques et formelles des éléments, l’espace reste épuré. Le spectateur, comme devant une scène, est statique face à cette boîte immobile, prêt à observer les acteurs imaginaires déambuler du bar américain jusqu’à la terrasse. J’imagine bien une pièce d’Agatha Christie s’y dérouler, où l’élucidation d’un meurtre passionnel viendrait chambouler ce qui semble ici si inébranlable.

David Hockney, c’est qui ?

David Hockney naît en 1937 à Bradford (Yorkshire, Angleterre). Il fait ses études au Bradford College of Art jusqu’en 1957 puis au Royal College of Art de Londres jusqu’en 1962. Vous le connaissez probablement pour la simple et bonne raison que c’est un des artistes vivants les plus populaires.

De manière générale, David est connu pour placer l’espace au cœur de son travail, qu’il soit intérieur (comme Large Interior Los Angeles) ou extérieur avec des paysages multiples. Hockney s’inspire beaucoup du Pop Art pour traduire le monde de consommation dans lequel il vit, mais aussi pour son caractère artificiel, ses couleurs acidulées (presque fauves) et la mise à plat des sujets qu’il peint. Il est également connu pour incarner la période dite des « swinging sixties« , qui correspond à l’émancipation des libertés sociales et sexuelles dans les années soixante au Royaume-Uni. En effet, il va notamment prendre le parti d’assumer pleinement son homosexualité et de la faire plus ou moins apparaître explicitement dans certaines de ses œuvres.

L’art d’Hockney va évoluer selon les décennies qu’il va traverser. Ses peintures et leurs constructions me font énormément penser à de la photo. Les années 60 et 70 sont d’abord assez figuratives, représentent des scènes d’une vie quotidienne très « hollywoodienne ». Il réinvente le collage et la gravure en se servant de techniques nouvelles (polaroïds, pâte à papier…). C’est à partir des années 80 et 90 qu’Hockney devient plus abstrait, plus brut et très coloré. Il peint des portraits proches d’un style Picasso, réinterprète le cubisme, s’intéresse davantage à la perspective, aux différents points de vue. Enfin, c’est entre la fin des années 90 et le début des années 2000 qu’il dédie pratiquement son travail à l’étude des paysages. Si mon espèce de pseudo-analyse vous laisse un peu sur votre faim, je vous recommande vraiment d’aller comparer son style sur les différentes décennies que nous venons d’aborder en vous rendant sur le site officiel de l’artiste.

Pour moi, le travail de David Hockney est un rêve coloré d’une vie que l’on fantasme. Comme les enfant dans Mary Poppins qui plongent tête baissée à l’intérieur des dessins de rue à la craie, ou encore Alice qui se précipite dans le terrier du lapin, je meurs d’envie, devant un Hockney, d’entrer dans un monde parallèle, paisible et simplement sublime. Les toiles d’Hockney me rendent ivre de beauté, de perspectives satisfaisantes, et sont complètes.

Ce que j’aime dans cette toile

J’aime cette toile car comme je l’ai dis plus haut, elle m’offre une maison idéale. Je rêve de m’asseoir sur chacune des chaises, chacun des fauteuils et canapés de la pièce. Je rêve d’entendre le poids de mes pieds craquer sous le parquet en me dirigeant vers la cheminée pour faire un feu, siroter un bon martini et lire un bon bouquin. Je rêve qu’un ami vienne pour me jouer du piano. Que l’on discute pendant des heures de cette vie que nous ne souhaiterions jamais quitter et qui semble à l’abri de tout souci. Enfin, je rêve de m’asseoir sur cette chaise à bascule et d’écrire d’autres histoires sur le petit carnet de la table, en croquant dans la pomme verte qui n’attend plus que moi.

Cette Oeuvre me fait penser à…

L’exposition Charlotte Perriand à la Fondation Vuitton

Alors même si j’en ai brièvement parlé sur instagram (le lien du post se trouve ici : @pepperdwyer) et que j’y ai donné mon avis sur l’exposition, je ne pouvais pas ne pas faire le rapprochement entre l’exposition en cours à la Fondation Vuitton sur Charlotte Perriand et ce tableau d’Hockney. Madame Perriand est une grande designer, elle a créé un art de vivre et entre autre la célébrissime chaise longue etc. tout le tralala. Je fais exprès de ne pas vous en dire trop, premièrement parce que j’aimerai potentiellement écrire un article sur l’expo après le calendrier et deuxièmement, parce que je vous invite à aller voir cette expo VOUS MÊME bande de moules.

En tout cas c’est du design, c’est du mobilier, c’est canon et c’est fait par une femme (et ça il était grand temps de s’en préoccuper, même si la Fondation n’a pas pu s’empêcher de l’envahir d’artistes masculins connus sous prétexte que sinon elle n’allait pas attirer tant de monde que ça…

Vous voyez, je ne peux pas m’empêcher de parler, c’est plus fort que moi. Donc je me tais, et on en reparlera plus tard).

L’expo reste très belle, allez-y point barre.

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J’ai conscience que cet article était long. Je ne m’excuserai pas vraiment parce que j’ai pris un plaisir fou à l’écrire. Encore merci de me suivre et de soutenir ce projet du calendrier, j’espère que vous ne vous en lassez pas.

Je vous retrouve demain pour un nouvel article ! Et je vous embrasse.

Pepper.